Fichados : Ana Pérez Ventura
Article published by the digital magazine Masdearte in 2017
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Artists featured in this section have often combined their visual art practice with music, at times keeping both disciplines closely intertwined, as in the cases of Helena Toraño or Snowman Lost His Head (Alan Florit). In this week’s feature, Ana Pérez Ventura, that communion—the permeability between the two disciplines—becomes even more evident. She studied Fine Arts at the Universities of Vigo and Barcelona, and music at the conservatories of Vigo and Amsterdam. She later completed a master’s degree at the Sorbonne on the relationship between these two fields and, since 2009, has been based in Paris, researching the possibilities of interaction between visual art and music, with repetition as a fundamental resource.
Her own experience as a pianist, and the importance of repetition as the foundation of her daily practice to master her instrument, have provided the basis for a body of visual work that has already earned her awards such as Artension and grants from the Barrié de la Maza Foundation and the Segundo Gil Dávila Foundation. She also took part in the II Encontro de Artistas Novos at Cidade da Cultura and has presented solo exhibitions at the Colegio de España in Paris and at three galleries in the French capital: H Gallery, Artemper, and Point Doré. She has also participated in group exhibitions at the Château de la Veyrie in Bernin, Abstract Projet, Parc Floral, Galerie Sisso, the Polytechnic University of Valencia, and the Guoyi Art Museum in Beijing.
In Ana’s case, her interest in art began during primary school, at the same time she started studying music. Since then, she has developed the two—interwoven—facets of her career in parallel:
“My relationship with art began when I was a child, in my final year of primary school (I also started piano that same year), when I signed up for the painting workshop at my school. It was a very free workshop; we had materials available so we could do whatever we wanted. They also occasionally took us to exhibitions. I got hooked on art and kept going—I would go to the workshop almost every day after class.
In my final year of high school, I had no idea what to do next. I was actually in the science track, and at home they wanted me to study engineering. I decided to study Fine Arts and continue at the conservatory because I wanted to dedicate my time to something fulfilling. At that time, I wasn’t thinking about how I would make a living; I assumed that would sort itself out later. I just wanted to learn as much as I could. I don’t remember consciously deciding to become an artist—it gradually took shape through a need to create.”
Her two passions have naturally run along parallel paths, but Ana also weaves them together in a compelling reflection: she seeks to use art to capture and leave a material trace of intangible time. The idea emerged when she became aware of how invisible her hours at the piano were—an effort that leaves no record. She places great importance on processes and on the value of the variations that repetition inevitably produces, often with enriching results. As she explains:
“In my visual work, my experience with music and as a classical pianist is very important. I have spent countless hours repeating exercises, repeating passages from scores that become gestures on the instrument, until I master them. The process of learning a musical piece is slow; the body needs to internalize all the movements, and this is achieved through repetition. All that work is ultimately ephemeral—it disappears—whereas in painting, all the time you invest remains there, recorded.
My work arises from an attempt to capture that time. I investigate the relationships between time and space through repetition. I am interested in the different variations that inevitably occur with each repetition. I want to create an organic record of the passage of time, like a human metronome. In my work, the creative process is an important element.”
When discussing her references, the artist cites figures who also emphasize working processes, seriality, rhythm, and pattern maintenance: “As influences I can mention very diverse artists such as Pollock, Sean Scully, Opalka, Klee, Agnes Martin, Wenzel Ziersch, Ignacio Uriarte, Gregory Hayes… And in terms of technique, I use whatever best suits each project. I look for the method that best adapts to the idea I want to convey. The search for technical solutions is part of the work.”
The titles of her four main projects to date all have musical names, and she continues to develop some of them: Études, Neumas, 100 Meters of C Major, and Notages.
The first began ten years ago and currently consists of around two hundred works. It revisits the spirit of musical études and challenges an impossibility:
“An étude (in music) is a didactic piece designed to work on a specific technical problem (a particular gesture). Because of this, they tend to be highly repetitive. For anatomical reasons, most gestures used in piano playing are circular in nature. In my Études, I systematically repeat a rhythmic, circular gesture that fills the entire pictorial space, tracing a continuous line and leaving a mark on the surface. I continue the process in different layers or strata, which in turn become another way of showing the trace of time passing.
Over these ten years, the Études have evolved through my search for different solutions to the technical problem of achieving a continuous line (a continuous gesture) that is impossible to obtain with a brush (the paint runs out, and you have to keep reloading it). I have explored various methods: scratching into wet paint, using nozzles attached directly to paint tubes, making my own applicators, using acrylic markers… I have also varied the way the gesture moves through the pictorial space (following the direction of writing, rotating the support 90 degrees between layers, starting from a point and rotating until reaching the edge of the surface…).”
Three years ago, she began Neumas, a graphic translation of musical notes—the compelling result of decontextualizing melody for aesthetic purposes:
“I use musical notation, which is itself a way of writing time. I am interested in showing the repetitive nature of études through musical writing, and I develop this series based on Chopin’s 24 études; each of my pieces corresponds to one étude. The composer developed this pianistic genre both technically and musically, creating masterpieces of the repertoire rather than dry technical exercises.
From the scores, I transcribe the musical notes graphically (in black for notes corresponding to the piano’s black keys and in white for the white keys). In this way, I show the relative melodic relationship between notes, the drawing formed by the melodic contour. I eliminate the absolute pitch determined by the staff and the rhythmic information. There is also a layering process, superimposing strata from each page of the score. The name of the series comes from early medieval musical notation, in which only the relative pitch between notes was specified.”
For the exhibition “La Vietnamita,” curated by Marlón de Azambuja in 2014 at the OTR space in Madrid, Ana devised the site-specific project 100 Meters of C Major (694 octaves), using music in PVC to leave a trace of time in space—her ongoing aim:
“The repetitive practice of scales is one of the exercises every pianist must go through. There are standard fingerings for each scale, which are structured ways of using different fingers for different notes/keys. These fingerings form a pattern that repeats. In my 100 Meters of C Major (694 octaves), I played the C major scale with my right hand along 100 meters of PVC roll, with paint on my fingers. The time spent is recorded in the imprint of each finger. The repetition of the gesture becomes an occupation of space. I used black for the thumb and white for the other fingers, marking each thumb passage (hand shift) along the strip. The drawing shows the score of the ascending C major scale across the full range of the piano, with notes colored according to the finger used.”
Finally, Notages originated in a collaboration with Misha Bies Golas, and in this work the rituals of the pianist clearly merge with those of the visual artist:
“‘Notage’ in French refers to the operation of engraving melodies into music boxes. The series began with a collaboration with Bies Golas for his project 50 Negros. He asked me to create a 20 x 20 cm black monochrome, and I decided to use a Chopin étude that only uses black keys (right hand). Similar to the neumas, I use only the melodic line, but this time I make holes in the surface with an awl instead of using paint.
I continue working with scores of tedious technical exercises by Lemoine or Hanon, which all pianists have gone through. The physical effort required to perforate the materials, the variations in depth, the zero margin for error, the precision, patience, and discipline all refer back to my experience as a professional pianist.”
Her upcoming work can be seen in October in Paris, where she is represented by H Gallery, which hosted her first solo show last spring:
“This autumn I have been invited to participate again in the Salon des Réalités Nouvelles in Paris. This group exhibition, organized by artists and focused on abstraction, has taken place annually in Paris since 1946. I will present a new Étude I am currently working on (October 15–22 at the Parc Floral in Paris).”
Her work can be explored further on her website: art.anaperezventura.com.
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Fichados: Ana Pérez Ventura
Artículo publicado por la revista digital Masdearte en 2017
Por esta sección han pasado fichados que compaginaban su actividad artística (plástica) con la musical y en ocasiones mantenían ambas muy próximas, como Helena Toraño o Snowman lost his head; en nuestra fichada de esta semana, Ana Pérez Ventura, esa comunión, la permeabilidad entre ambas disciplinas, se hace mucho más evidente: se ha formado en Bellas Artes en las Universidades de Vigo y Barcelona y en música en los conservatorios de Vigo y Ámsterdam, realizó un máster en la Sorbona sobre las relaciones entre esas dos disciplinas y desde entonces, desde 2009, reside en París, investigando sobre las posibilidades de la interacción entre artes visuales y música con la repetición como recurso fundamental.
Su propia experiencia como pianista, y la importancia de la repetición como base de su rutina diaria para perfeccionar el dominio de su instrumento, le han servido de base para plantear una obra plástica que ya le ha valido premios como el Artension y becas de la Fundación Barrié de la Maza o la de la Fundación Segundo Gil Dávila. También participó en el II Encontro de Artistas Novos en la Cidade da Cultura y ha presentado muestras individuales en el Colegio de España en París y en tres galerías de la capital francesa: H Gallery, Artemper y Point Doré. También ha formado parte de colectivas en el Château de la Veyrie de Bernin, Abstract Projet, el Parc Floral, la Galerie Sisso, la Politécnica de Valencia o el Guoyi Art Museum pekinés.
En el caso de Ana, la afición por el arte comenzó en EGB, al mismo tiempo que empezaba a estudiar música; hasta ese punto ha desarrollado de forma paralela las dos facetas -imbricadas- de su carrera: Mi relación con el arte comenzó de niña, cuando en sexto de EGB (también empecé con el piano ese año) quise apuntarme al taller de pintura que había en mi colegio. Era un taller muy libre, teníamos los materiales a nuestra disposición para poder hacer lo que quisiéramos. Además, nos llevaban de vez en cuando a ver exposiciones. Me entró el gusanillo del arte y seguí, iba casi todos los días al taller al acabar las clases.
En COU no tenía ni idea de qué hacer después, de hecho, estaba en ciencias puras y en casa querían que hiciese una ingeniería. Decidí hacer Bellas Artes y seguir en el conservatorio, porque quería dedicar mi tiempo a estudiar algo que me llenase. En esos momentos no me planteaba cómo me iba a ganar la vida; pensaba que eso ya se vería después, sólo quería aprender todo lo que pudiese. No recuerdo decidir conscientemente ser artista, fue algo que se fue poco a poco concretando a través de la necesidad de crear.
Sus dos pasiones han discurrido por caminos parejos de forma natural, pero Ana las entrelaza además en una reflexión muy interesante: busca que el arte le sirva para capturar y dejar poso material del tiempo intangible. La idea llegó al ser consciente de lo invisible de sus horas al piano, un esfuerzo que escapa a registros. Da mucha importancia a los procesos y también al valor de las variaciones que inevitablemente -y con resultados muy enriquecedores- generan las repeticiones. Nos lo explica: En mi obra plástica, mi experiencia con la música y como pianista clásica tiene una gran importancia. He pasado innumerables horas repitiendo ejercicios, repitiendo pasajes de partituras que se convierten en gestos sobre el instrumento, hasta dominarlos. El proceso de aprender una obra musical es algo lento, el cuerpo necesita interiorizar todos los movimientos y ello se consigue mediante la repetición. Todo ese trabajo al final es efímero, acaba desapareciendo, en cambio en la pintura todo el tiempo que inviertas se queda ahí, grabado.
Mi obra nace de un intento de atrapar ese tiempo. Investigo las relaciones entre el tiempo y el espacio a través de la repetición. Me interesan las diferentes variaciones que se producen inevitablemente en cada repetición. Quiero hacer un registro orgánico del paso del tiempo, como un metrónomo humano. En mi obra, el proceso de creación es un elemento importante.
El proceso de aprender una obra musical es algo lento, el cuerpo necesita interiorizar todos los movimientos y ello se consigue mediante la repetición. Todo ese trabajo al final es efímero, acaba desapareciendo, en cambio en la pintura todo el tiempo que inviertas se queda ahí, grabado.
A la hora de contarnos sus referencias, la artista cita a autores que también dan mucha importancia a sus procedimientos de trabajo, a la serialidad, el ritmo y el mantenimiento de patrones: Como influencias puedo citar artistas muy diversos como Pollock, Sean Scully, Opalka, Klee, Agnes Martin, Wenzel Ziersch, Ignacio Uriarte, Gregory Hayes… Y, en cuanto a técnicas, confiesa emplear en cada proyecto la más adecuada a sus fines: La técnica utilizada depende del proyecto que esté llevando a cabo. Busco la que se adapte mejor a la idea que quiero transmitir. La búsqueda de soluciones técnicas forma parte de la obra.
Los títulos de los cuatro proyectos fundamentales que ha desarrollado hasta ahora tienen nombres musicales y en algunos de ellos continúa trabajando: se trata de Études, Neumas, 100 metros de Do mayor y Notages.
El primero lo inició hace ya diez años y consta, por ahora, de unos doscientos trabajos. Recupera en él el espíritu de los estudios musicales y desafía un imposible: Un estudio es (en música) una pieza de carácter didáctico, destinada a trabajar un problema técnico específico (un gesto concreto). Debido a esto tienen una escritura muy repetitiva. Por causas anatómicas, la mayor parte de los gestos utilizados en el piano son de naturaleza circular. En mis Études repito de manera ordenada, llenando todo espacio pictórico, un gesto rítmico repetitivo circular que va trazando una línea continua, dejando una huella en la superficie pictórica. Continúo con el proceso en distintas capas, estratos, que son, a su vez, una nueva forma de mostrar la huella del paso del tiempo.
Los Études han ido evolucionando a lo largo de estos diez años, a través de la búsqueda de distintas soluciones al problema técnico de conseguir una línea continua (gesto continuo) imposible de obtener con un pincel (la pintura se acaba, hay que mojarlo en pintura constantemente). He ido encontrando y explorando diversos procedimientos: rascar la pintura húmeda, utilizar boquillas directamente acopladas al tubo de pintura, fabricar mis propios aplicadores, usar rotuladores de acrílico…). También he ido variando la manera en que el gesto recorre el espacio pictórico (en el sentido de la escritura, rotando el soporte 90º entre capas, empezar en un punto e ir girando hasta alcanzar el límite del soporte…).
Hace tres años comenzó Neumas, traducción gráfica de notas musicales, el fruto atractivo de la descontextualización con fines estéticos de la melodía: Utilizo la notación musical, que en sí misma es ya una forma de escribir el tiempo. Me interesa mostrar la naturaleza repetitiva de los estudios a través de la grafía musical y desarrollo esta serie a partir de los 24 estudios de Chopin; cada una de mis piezas corresponde a un estudio. El compositor desarrolló este género pianístico, técnica y musicalmente, creando obras maestras del repertorio en vez de ejercicios técnicos áridos.
A partir de las partituras, transcribo gráficamente las notas musicales (en negro para las notas correspondientes a las teclas negras del piano y en blanco para las blancas). Muestro de esta manera la relación melódica relativa entre las notas, el dibujo formado por el perfil melódico. Elimino la altura absoluta determinada por el pentagrama y la información rítmica. También hay un trabajo de superposición de capas, estratos de cada una de las páginas de la partitura. El nombre de la serie proviene de la notación musical primitiva medieval en la que sólo se especificaba la altura relativa entre las notas.
Para la exposición “La Vietnamita”, que Marlón de Azambuja comisarió en 2014 en el espacio OTR de Madrid, Ana ideó el proyecto específico 100 metros de Do mayor (694 octavas). Música en pvc para dejar huella del tiempo en el espacio, su propósito constante: La práctica repetitiva de escalas es uno de los ejercicios por los que todo pianista tiene que pasar. Hay digitaciones estándar para cada escala que suponen una manera ordenada de utilizar los diferentes dedos para las diferentes notas/teclas. Dichas digitaciones constituyen un patrón que se va repitiendo. En mi 100 metros de Do mayor (694 octavas) toqué la escala de Do mayor con la mano derecha a lo largo de los 100 metros de una bovina de pvc con pintura en los dedos. El tiempo pasado queda reflejado en la huella de cada dedo. La repetición del gesto se transforma en una ocupación del espacio. Utilicé el color negro para el pulgar y blanco para los otros dedos, marcando así cada paso de pulgar (desplazamiento de la mano) a lo largo de la cinta. En el dibujo se ve la partitura de la escala de Do mayor ascendente a lo largo de todo el registro del piano, con las notas del color del dedo utilizado.
Por último, Notages tuvo como germen una colaboración con Misha Bies Golas y, en este trabajo, los ritos de la pianista se funden con toda claridad con los del artista plástico: Notage, en francés, significa operación consistente en grabar melodías en las cajas de música. La serie comienza por una colaboración con Bies Golas para su proyecto 50 Negros. Me pide que haga un monocromo negro de 20 x 20 cm y tengo como idea utilizar el estudio de Chopin en el que solo utiliza teclas negras (mano derecha), y para ello, de manera similar a los neumas, utilizo solo la línea melódica, esta vez haciendo agujeros con un punzón en el soporte en vez de utilizar pintura.
Continúo trabajando con partituras de ejercicios técnicos aburridos de Lemoine o Hanon, por los que hemos pasado todos los pianistas. El esfuerzo físico para perforar los agujeros en los diversos materiales, las variaciones en la profundidad de los mismos, el nulo margen de error, la precisión, la paciencia y la disciplina remiten a mi experiencia de pianista profesional.
El esfuerzo físico para perforar los agujeros en los diversos materiales, las variaciones en la profundidad de los mismos, el nulo margen de error, la precisión, la paciencia y la disciplina remiten a mi experiencia de pianista profesional.
Lo próximo de Ana podrá verse en octubre en París, donde la representa, por cierto, la H Gallery, que la pasada primavera le ha dedicado una primera individual en su espacio: Este otoño me han invitado a participar de nuevo en el salón des Réalités Nouvelles en París. Dicha exposición colectiva, organizada por artistas y centrada en la abstracción, tiene lugar cada año en París desde 1946. En ella expondré un nuevo Étude en el que estoy trabajando ahora mismo (del 15 al 22 de octubre en el Parc Floral de París).
Y su obra podemos conocerla mejor en su web: art.anaperezventura.com